家庭影院音響的專業名詞你能了解多少？
http://www.tzysyw.cn/ 來源:索蘭影音 關鍵詞：家庭影院音響 家庭影院系統
家庭影院音響迷經常會將討論的名詞掛在嘴邊，言談之間總以為雙方是講相同的一件事，而事實上同一個名詞往往有很大的定義出入。
空間感
在剛開始時只要喇叭放得有點距離，很容易就可以發現左右兩個喇叭的訊號是不一樣的（也許這太容易了）；動動喇叭或是為自己找個好位置后，似乎可以聽出喇叭之間也有聲音，而且這聲音是從左喇叭連到右喇叭的，筆者把這種表現叫做「一維」的空間感。
如果把喇叭分得更開好不好呢？也許不錯，這「一維」的空間感起碼可以變寬點，但也可能拉得太開中間連不起來，出現一個大洞，這就有點可惜了：筆者的經驗是這距離除了受房間的限制外，還有個「最佳」距離，可以讓聆聽者感受到最大的寬度；把左右兩喇叭分得更開中間會有洞，擺近了寬度又縮水；如果到這個水平，我們就可以討論「二維」的了。
坐在聆聽點上看看，左右兩喇叭是否對稱？左右墻壁的反射情情況是不是差不多？兩喇叭的角度如何？細調一番說不定會有「深度」的感覺出現。
現在聽的可就不是長龍陣了，應該可以聽出一個往喇叭后方延伸的「場」，這時便可以叫「二維」了。
「三維」？因為我們再往下追求的東西就不只是音場的厚度，而是整個音樂廳的空間感；這空間感不僅要找音場的坡度（管弦樂團在音樂廳里通常排列在階梯狀的舞臺上，最后面的打擊樂器比木管高些，而本營又比弦樂組高些……），還要找每一件樂器的高度（我就不相信大提琴發聲時只有一個點出聲，就連小提琴也是整支琴共鳴啊！），然后再去找整個音樂廳的側墻、屋頂等等，這樣才叫空間感。
層次感
前面講空間感似乎說的都是音場外圍，層次感可就要研究音場中各樂器的關系了。
首先必須要有足夠的場深，這和前面說的「二維」意義有些出入；「二維」的音場是指在聆聽處所能聽到最遠樂器的位置，如果拿管弦樂團來說，應該是指打擊樂器位置；「場深」可就要再仔細聽聽樂團的第一排在那里，找出樂團的第一排和最后一排的「距離」，就是場深了。
這樣講也許還不夠清楚。有的系統聽起來最后一排非常的深遠，但第一排也同樣地遙不可及，這種音場雖然深，但以場深（也有人稱此為縱深）來說則是非常淺了，因為樂團的第一排和最后一排感覺上距離很近。有的系統聽起來最后一排不算很深，但樂團的第一排非常突出，甚至突出喇叭的面板，這樣的場深就可以算是非常成功；如果能再把最后一排拉遠，那就如于莞柳先生說的「參考級」了。
有了場深之后，進一步地要求音場中（樂團中）各樂器的相關距離正確：譬如找找木管和中提琴的相關距離如何？打擊樂器有沒有往前延伸到小提琴的最后一線？木管組里的幾樣樂器是排成一列還是有前后之分？
在筆者的想法中層次感應該是來自平整的頻率響應（應該從帶寬那項技一個箭頭指向層次感才對）。請觀察（似乎是聽察）距離遠的人聲和距離近的人聲什么不同；塞住一只耳朵，用一只耳朵可以保證自己聽到的是「mono」，然后判斷一下音源的距離遠近；仍然相當容易吧！即使是遠的人大聲吼、近的人小聲講話（只要還能聽到），也同樣能判斷遠近，表示這和聲音整體的大小聲無關，而是距離遠的聲音被空氣衰減了某些頻率（通常越高頻越會衰減），而距離近的聲音衰減量較少，使得我們的耳朵可以利用泛音結構、音色來判斷發聲體的距離。（編按：判斷距離的遠近應該還和聲音到達耳膜的時間差有關）
假設錄音沒問題，那么唱片上應該記載了各種樂器的音色加上空間所造成的音色變化，如果我們的系統有一個平整的頻率響應，應該可以復制出這些音色變化，于是可以享受到層次感。
有些人贊成把音響系統中的高頻弄少一點；的確，那樣可能會比較悅耳，但也可能使得樂團的第一排聽起來像最后一排一樣遠，損失了場深。
如果有某一兩個頻率有條值呢？那可能音場中樂器排列會有錯亂的感覺，這樣就享受不到層次感了。
定位感
有了層次感后，定位感也應該小有成就了，不過層次感在大編制的音樂里似乎比較容易找到，而定位感則要找些小編制的來聽；當然反過來找也可以，筆者只是說那樣比較容易罷了。
弦樂四重奏是個很好的材料。現在我們不只是要聽聲音，還要找那些聲音在音場的「出處」。如何？四把琴都出現了嗎？它們之間的距離如何？每一把琴的大小又是怎樣的呢？
聽定位就好像用耳朵來「看」整個音場屏幕一樣，如果錄音錄得不錯，應該是每一個音符都可以在音場中找到位置才對。
定位感還有一項嚴厲的要求，那就是比例；也許剛開始找定位感時，幾支琴煳成一片，只可稍微辦別小提琴在左邊，低音大提琴在右邊；細調一陣后發現它們越來越苗條，苗條得只剩弦了！真可憐，這樣似乎不太健康；再細調一陣才發現原來琴身的共鳴也可以有定位，這樣琴的身體就出來了，恢復了正常的體態。只是若要讓幾支琴的身體肥瘦比例正確，可還要多努力才行！
人聲也是個調定位的好材料；可以很容易地聽出音響系統左右平衡的情形。如果左右不平衡（不只是音量不平衡，音域不平衡也算）歌者可能會站歪了，或者是有一邊臉比較腫，說不定還會讓人覺得不是面對著聆聽者而唱，好像吐氣吐不出來或吐歪了；這時可要好好反省左右聲道那里出毛病了。
老實說這些線索還是對玩LP的人比較有用，可以據此調整唱頭的循軌角度、抗滑等等參數；CD如果聽起來歪一邊怎么辦？明憲兄說他的CD雷射頭歪了有此情形，換了雷射頭后藥到病除，看來雷射頭以后也要像唱頭一樣可調才行。
講起來喇叭的擺設也決定了定位感的表現，不但喇叭的內傾角（Toein）非常需要多方嘗試，連仰角也要注意。由于一般對于仰角的處理較為困難，似乎很少人提到這方面。選用適當的勢材可以粗略地調整仰角，但通常換了墊材（諸如三角錐、木塊、瓷杯……等等）后角度又變了，這使得聆聽者很難拿捏得準到底是材質的影響還是角度的影響。
細節
在前面的表里，筆者特別在定位感下面加了一個活弧，說明定位感是在找音場中的解析力，而細節則是指音符的解析力了。在筆者的觀念里，這細節應該是充滿在整個音樂理的微小變化；然而有很多系統中充滿了細節，卻一點也感覺不到這種「變化」，好像每一個細節都不互相連貫似的，這可不是筆者想要的那種。
音場
請回想一下現場音樂會的情形，每一個樂手或是歌者都有些小動作，例如運弓的聲音、翻譜、換氣，這些聲響雖然不是音樂中的一部份，但絕對不突兀；或許應該說，一個訓練有素的音樂家不可以讓這些動作發出唐突的聲響；那為什么有些音響系統特別容易找到這些聲響卻找不到音樂呢？
這樣說也許是太極端了，細節當然是愈多愈好，那有嫌多的道理，只是筆者認為追求細節應該以追求「音樂中的細節」為目標，而不是光追求細節，說不定前面表里的名詞也要改改才好？
我急奢想要得到一個名詞來分別這兩種細節的不同……對了！自然！
自然似乎離我們還蠻遠的，我們還是談解析力吧！
解析力
一個真正有解折力的音響系統，似乎是集合定位感和細節兩項特質的，不但聽到了，還可以找到它的位置！諸如音色上的波動、音量上的微小變動；往這方面發展才有可能到逵活生感的要求。
透明度
透明度可以說是所有音場中極致表現之集大成了，老實說我不應該在乎細節是否有音樂性，因為音樂性似乎不必是透明度的成份之一，只要Hi-Fi，透明度就應該有了，但音樂性的程度可就高多了，它應該放在最高層來探討。
把音響器材想象成一個窗子，有玻璃，玻璃可能還不太干凈，有油，我們看到外面的景像是一片朦眬；慢慢地，我們擦玻璃，把油擦掉一些，這情況有了改善，但絕不是一下就非常干凈，即使擦干凈了，還是可以看出有玻璃，我們的最終目的是要把玻璃拿掉。
透明度可以到什么地步呢？筆者認為上乘的透明感可以表達歌者的身體厚度，木管組內各樂器的前后距離，甚至把各樂器表現得有血有肉，樂器和樂器之間的「空間」也毫不含煳，都「看」得到！
帶寬
這個名詞蠻值得討論的，我覺得這絕不是光看規格上數據就算數了；當然數據也代表了某種重要性，但最重要的還是「聽得到」！
老實說這項要求最重要的不在「多」，而在「好」；因為人耳實在聽不了多寬，但卻對每一個環節都非常挑。擴大機的設計者可以很容易地運用負回授使帶寬延伸到幾百K：低頻也可以做到5～10Hz，甚至連直流（OHz）都可以放大，但人們覺得低頻真正好的機器卻寥寥可數，真是奇怪！
動態＆對比
這兩樣東西好像常放在一起，但又不太一樣，所以我特別把它們分開，希望這樣能清楚一點。
在我的想法里，動態是指絕對值，而對比是相對值；動態似乎只有大小之別，而對比才有好壞分別。
怎么說呢？在外國的文章里，有時會提到「可以提供像現場那樣龐大的音量」，我想，這是指動態；意思是某件器材可以發出那樣的音量或是能量而不失真，這是很了不起的，但對比就完全不是那么回事；它似乎跟細節比較有關系，就好像一幅很好的水墨畫，可以看到很多不同的濃澹深淺，而初學國畫的就只能用黑色和白色了，一點變化都沒有。
一致性
請再參照樹枝圖，讀者也許會發現帶寬，透明度以及動態和對比都指向一致性，而在前面卻沒有解釋此三者到底是要到什么地步，那怎么知道如何往上發展？我想這三者是最容易發現，而又最難完美的；「發現」的意思是「知道它的存在」；我們很容易就可以找到某種墊材有對比、有透明度，或是某種線帶寬特佳，還是那一個真空管動態大；但它們真的是一種進步嗎？這就要看有沒有一致性了。
帶寬也要有一致性？我覺得好的系統應該能展現出各頻段一致的量感及一致的速度感；當然帶寬是越寬越好，但如果不以一致性為追求目標，再寬也是白搭；如果頻寬普通，但有非常好的平衡性，那聽起來一定是非常舒服，倒是一般的音響迷都是先求帶寬，再求一致，甚至不求；可能是一致性真的相當難吧！？
透明度呢？它也跟一致性有關，好像有的器材只在某一頻段有透明度，其他頻段則灰灰的，這就是缺乏一致性了，我們當然希望能得到全面的透明，但這似乎很難得到，于是我們努力調整、搭配，希望能擴大這透明的部份。
動態與對比的一致可就更累了，有沒有聽過銜接不良的超低音系統？很可能是中高頻段和低音的對比不同，使得聽起來非常奇怪，好像超低音總是慢半拍似的，這在一致性上又是不及格！
中性
也許世界上根本沒有中性這種東西；每個人都希望自己的系統中性，那什么才是中性？
沒關系，到此，我們已經是Hi-End了，不必太在乎誰是誰非，我們在追求的是一種藝術；但千萬不要太早開始追求藝術，那樣很可能會迷失方向；當我們什么都模過一點皮毛后，再來看看什么是中性。
中性絕不是毫無血色，也不是冷感癥，在我想來，它應該是「忠實」，能傳達錄音現場當時麥克風擺設的情形，可以表現出工作人員的水平，可以聽到廳堂的差別，可以……我要辭窮了……可以表現出種種的「不同」！
現場音樂
我實在沒辦法說什么是自然，什么又是音色，讓我們來討論現場的感覺吧！
現場就有自然的感覺，它讓人覺得就該如此。對不起，我是以音響迷的眼光來看的，事實上它本來就這樣自然，是我們的器材達不到這種地步，我也不知道要怎樣才會有自然的系統，可能是某些器材才有的特殊魅力吧！一般說來真空管擴大機似乎比晶體機要自然些，LP比CD自然，最重要的是要常接觸現場，那才是真正的自然！
音色也沒什么好講的，每個人都有自己喜歡的音色！只要一步步追求音響性和音樂性，音色應該不至于離譜；但我也發現音色是最難溝通的，如果同好之間互相不喜歡對方的音色，絕對正常！
這一套家庭影院音響名詞解釋還有很多缺漏，有待加強，但起碼可以有個依循的方向，看官也可以自己想出一套追求的步驟，這是不是又可以成為另一次思考練習？
空間感
在剛開始時只要喇叭放得有點距離，很容易就可以發現左右兩個喇叭的訊號是不一樣的（也許這太容易了）；動動喇叭或是為自己找個好位置后，似乎可以聽出喇叭之間也有聲音，而且這聲音是從左喇叭連到右喇叭的，筆者把這種表現叫做「一維」的空間感。
如果把喇叭分得更開好不好呢？也許不錯，這「一維」的空間感起碼可以變寬點，但也可能拉得太開中間連不起來，出現一個大洞，這就有點可惜了：筆者的經驗是這距離除了受房間的限制外，還有個「最佳」距離，可以讓聆聽者感受到最大的寬度；把左右兩喇叭分得更開中間會有洞，擺近了寬度又縮水；如果到這個水平，我們就可以討論「二維」的了。
坐在聆聽點上看看，左右兩喇叭是否對稱？左右墻壁的反射情情況是不是差不多？兩喇叭的角度如何？細調一番說不定會有「深度」的感覺出現。
現在聽的可就不是長龍陣了，應該可以聽出一個往喇叭后方延伸的「場」，這時便可以叫「二維」了。
「三維」？因為我們再往下追求的東西就不只是音場的厚度，而是整個音樂廳的空間感；這空間感不僅要找音場的坡度（管弦樂團在音樂廳里通常排列在階梯狀的舞臺上，最后面的打擊樂器比木管高些，而本營又比弦樂組高些……），還要找每一件樂器的高度（我就不相信大提琴發聲時只有一個點出聲，就連小提琴也是整支琴共鳴啊！），然后再去找整個音樂廳的側墻、屋頂等等，這樣才叫空間感。
層次感
前面講空間感似乎說的都是音場外圍，層次感可就要研究音場中各樂器的關系了。
首先必須要有足夠的場深，這和前面說的「二維」意義有些出入；「二維」的音場是指在聆聽處所能聽到最遠樂器的位置，如果拿管弦樂團來說，應該是指打擊樂器位置；「場深」可就要再仔細聽聽樂團的第一排在那里，找出樂團的第一排和最后一排的「距離」，就是場深了。
這樣講也許還不夠清楚。有的系統聽起來最后一排非常的深遠，但第一排也同樣地遙不可及，這種音場雖然深，但以場深（也有人稱此為縱深）來說則是非常淺了，因為樂團的第一排和最后一排感覺上距離很近。有的系統聽起來最后一排不算很深，但樂團的第一排非常突出，甚至突出喇叭的面板，這樣的場深就可以算是非常成功；如果能再把最后一排拉遠，那就如于莞柳先生說的「參考級」了。
有了場深之后，進一步地要求音場中（樂團中）各樂器的相關距離正確：譬如找找木管和中提琴的相關距離如何？打擊樂器有沒有往前延伸到小提琴的最后一線？木管組里的幾樣樂器是排成一列還是有前后之分？
在筆者的想法中層次感應該是來自平整的頻率響應（應該從帶寬那項技一個箭頭指向層次感才對）。請觀察（似乎是聽察）距離遠的人聲和距離近的人聲什么不同；塞住一只耳朵，用一只耳朵可以保證自己聽到的是「mono」，然后判斷一下音源的距離遠近；仍然相當容易吧！即使是遠的人大聲吼、近的人小聲講話（只要還能聽到），也同樣能判斷遠近，表示這和聲音整體的大小聲無關，而是距離遠的聲音被空氣衰減了某些頻率（通常越高頻越會衰減），而距離近的聲音衰減量較少，使得我們的耳朵可以利用泛音結構、音色來判斷發聲體的距離。（編按：判斷距離的遠近應該還和聲音到達耳膜的時間差有關）
假設錄音沒問題，那么唱片上應該記載了各種樂器的音色加上空間所造成的音色變化，如果我們的系統有一個平整的頻率響應，應該可以復制出這些音色變化，于是可以享受到層次感。
有些人贊成把音響系統中的高頻弄少一點；的確，那樣可能會比較悅耳，但也可能使得樂團的第一排聽起來像最后一排一樣遠，損失了場深。
如果有某一兩個頻率有條值呢？那可能音場中樂器排列會有錯亂的感覺，這樣就享受不到層次感了。
定位感
有了層次感后，定位感也應該小有成就了，不過層次感在大編制的音樂里似乎比較容易找到，而定位感則要找些小編制的來聽；當然反過來找也可以，筆者只是說那樣比較容易罷了。
弦樂四重奏是個很好的材料。現在我們不只是要聽聲音，還要找那些聲音在音場的「出處」。如何？四把琴都出現了嗎？它們之間的距離如何？每一把琴的大小又是怎樣的呢？
聽定位就好像用耳朵來「看」整個音場屏幕一樣，如果錄音錄得不錯，應該是每一個音符都可以在音場中找到位置才對。
定位感還有一項嚴厲的要求，那就是比例；也許剛開始找定位感時，幾支琴煳成一片，只可稍微辦別小提琴在左邊，低音大提琴在右邊；細調一陣后發現它們越來越苗條，苗條得只剩弦了！真可憐，這樣似乎不太健康；再細調一陣才發現原來琴身的共鳴也可以有定位，這樣琴的身體就出來了，恢復了正常的體態。只是若要讓幾支琴的身體肥瘦比例正確，可還要多努力才行！
人聲也是個調定位的好材料；可以很容易地聽出音響系統左右平衡的情形。如果左右不平衡（不只是音量不平衡，音域不平衡也算）歌者可能會站歪了，或者是有一邊臉比較腫，說不定還會讓人覺得不是面對著聆聽者而唱，好像吐氣吐不出來或吐歪了；這時可要好好反省左右聲道那里出毛病了。
老實說這些線索還是對玩LP的人比較有用，可以據此調整唱頭的循軌角度、抗滑等等參數；CD如果聽起來歪一邊怎么辦？明憲兄說他的CD雷射頭歪了有此情形，換了雷射頭后藥到病除，看來雷射頭以后也要像唱頭一樣可調才行。
講起來喇叭的擺設也決定了定位感的表現，不但喇叭的內傾角（Toein）非常需要多方嘗試，連仰角也要注意。由于一般對于仰角的處理較為困難，似乎很少人提到這方面。選用適當的勢材可以粗略地調整仰角，但通常換了墊材（諸如三角錐、木塊、瓷杯……等等）后角度又變了，這使得聆聽者很難拿捏得準到底是材質的影響還是角度的影響。
細節
在前面的表里，筆者特別在定位感下面加了一個活弧，說明定位感是在找音場中的解析力，而細節則是指音符的解析力了。在筆者的觀念里，這細節應該是充滿在整個音樂理的微小變化；然而有很多系統中充滿了細節，卻一點也感覺不到這種「變化」，好像每一個細節都不互相連貫似的，這可不是筆者想要的那種。
音場
請回想一下現場音樂會的情形，每一個樂手或是歌者都有些小動作，例如運弓的聲音、翻譜、換氣，這些聲響雖然不是音樂中的一部份，但絕對不突兀；或許應該說，一個訓練有素的音樂家不可以讓這些動作發出唐突的聲響；那為什么有些音響系統特別容易找到這些聲響卻找不到音樂呢？
這樣說也許是太極端了，細節當然是愈多愈好，那有嫌多的道理，只是筆者認為追求細節應該以追求「音樂中的細節」為目標，而不是光追求細節，說不定前面表里的名詞也要改改才好？
我急奢想要得到一個名詞來分別這兩種細節的不同……對了！自然！
自然似乎離我們還蠻遠的，我們還是談解析力吧！
解析力
一個真正有解折力的音響系統，似乎是集合定位感和細節兩項特質的，不但聽到了，還可以找到它的位置！諸如音色上的波動、音量上的微小變動；往這方面發展才有可能到逵活生感的要求。
透明度
透明度可以說是所有音場中極致表現之集大成了，老實說我不應該在乎細節是否有音樂性，因為音樂性似乎不必是透明度的成份之一，只要Hi-Fi，透明度就應該有了，但音樂性的程度可就高多了，它應該放在最高層來探討。
把音響器材想象成一個窗子，有玻璃，玻璃可能還不太干凈，有油，我們看到外面的景像是一片朦眬；慢慢地，我們擦玻璃，把油擦掉一些，這情況有了改善，但絕不是一下就非常干凈，即使擦干凈了，還是可以看出有玻璃，我們的最終目的是要把玻璃拿掉。
透明度可以到什么地步呢？筆者認為上乘的透明感可以表達歌者的身體厚度，木管組內各樂器的前后距離，甚至把各樂器表現得有血有肉，樂器和樂器之間的「空間」也毫不含煳，都「看」得到！
帶寬
這個名詞蠻值得討論的，我覺得這絕不是光看規格上數據就算數了；當然數據也代表了某種重要性，但最重要的還是「聽得到」！
老實說這項要求最重要的不在「多」，而在「好」；因為人耳實在聽不了多寬，但卻對每一個環節都非常挑。擴大機的設計者可以很容易地運用負回授使帶寬延伸到幾百K：低頻也可以做到5～10Hz，甚至連直流（OHz）都可以放大，但人們覺得低頻真正好的機器卻寥寥可數，真是奇怪！
動態＆對比
這兩樣東西好像常放在一起，但又不太一樣，所以我特別把它們分開，希望這樣能清楚一點。
在我的想法里，動態是指絕對值，而對比是相對值；動態似乎只有大小之別，而對比才有好壞分別。
怎么說呢？在外國的文章里，有時會提到「可以提供像現場那樣龐大的音量」，我想，這是指動態；意思是某件器材可以發出那樣的音量或是能量而不失真，這是很了不起的，但對比就完全不是那么回事；它似乎跟細節比較有關系，就好像一幅很好的水墨畫，可以看到很多不同的濃澹深淺，而初學國畫的就只能用黑色和白色了，一點變化都沒有。
一致性
請再參照樹枝圖，讀者也許會發現帶寬，透明度以及動態和對比都指向一致性，而在前面卻沒有解釋此三者到底是要到什么地步，那怎么知道如何往上發展？我想這三者是最容易發現，而又最難完美的；「發現」的意思是「知道它的存在」；我們很容易就可以找到某種墊材有對比、有透明度，或是某種線帶寬特佳，還是那一個真空管動態大；但它們真的是一種進步嗎？這就要看有沒有一致性了。
帶寬也要有一致性？我覺得好的系統應該能展現出各頻段一致的量感及一致的速度感；當然帶寬是越寬越好，但如果不以一致性為追求目標，再寬也是白搭；如果頻寬普通，但有非常好的平衡性，那聽起來一定是非常舒服，倒是一般的音響迷都是先求帶寬，再求一致，甚至不求；可能是一致性真的相當難吧！？
透明度呢？它也跟一致性有關，好像有的器材只在某一頻段有透明度，其他頻段則灰灰的，這就是缺乏一致性了，我們當然希望能得到全面的透明，但這似乎很難得到，于是我們努力調整、搭配，希望能擴大這透明的部份。
動態與對比的一致可就更累了，有沒有聽過銜接不良的超低音系統？很可能是中高頻段和低音的對比不同，使得聽起來非常奇怪，好像超低音總是慢半拍似的，這在一致性上又是不及格！
中性
也許世界上根本沒有中性這種東西；每個人都希望自己的系統中性，那什么才是中性？
沒關系，到此，我們已經是Hi-End了，不必太在乎誰是誰非，我們在追求的是一種藝術；但千萬不要太早開始追求藝術，那樣很可能會迷失方向；當我們什么都模過一點皮毛后，再來看看什么是中性。
中性絕不是毫無血色，也不是冷感癥，在我想來，它應該是「忠實」，能傳達錄音現場當時麥克風擺設的情形，可以表現出工作人員的水平，可以聽到廳堂的差別，可以……我要辭窮了……可以表現出種種的「不同」！
現場音樂
我實在沒辦法說什么是自然，什么又是音色，讓我們來討論現場的感覺吧！
現場就有自然的感覺，它讓人覺得就該如此。對不起，我是以音響迷的眼光來看的，事實上它本來就這樣自然，是我們的器材達不到這種地步，我也不知道要怎樣才會有自然的系統，可能是某些器材才有的特殊魅力吧！一般說來真空管擴大機似乎比晶體機要自然些，LP比CD自然，最重要的是要常接觸現場，那才是真正的自然！
音色也沒什么好講的，每個人都有自己喜歡的音色！只要一步步追求音響性和音樂性，音色應該不至于離譜；但我也發現音色是最難溝通的，如果同好之間互相不喜歡對方的音色，絕對正常！
這一套家庭影院音響名詞解釋還有很多缺漏，有待加強，但起碼可以有個依循的方向，看官也可以自己想出一套追求的步驟，這是不是又可以成為另一次思考練習？
對于想要搭建家庭影院觀者想要升級家庭影院的朋友
參考索蘭影音的HIFI家庭影院音響網。
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